Selon les sociologues, trois artistes sont les plus connus dans le monde: Léonard de Vinci, Vincent Van Gogh et Pablo Picasso. Léonard est "responsable" de l'art des maîtres anciens, Van Gogh - pour les impressionnistes et postimpressionnistes du 19e siècle, et Picasso - pour les abstractionnistes et modernistes du 20e siècle. En même temps, si Léonard apparaît aux yeux du public non pas tant comme un peintre, mais comme un génie universel, et Picasso comme un «lion séculier» à la mode et une figure publique - un combattant pour la paix, alors Van Gogh personnifie l'artiste. Il est considéré comme un génie fou solitaire et un martyr qui n'a pas pensé à la gloire et à l'argent. Cependant, cette image, à laquelle tout le monde est habitué, n'est rien de plus qu'un mythe qui a servi à «filer» Van Gogh et à vendre ses toiles avec profit.
La légende de l'artiste est basée sur un fait vrai - il s'est mis à la peinture, étant déjà une personne mûre, et en seulement dix ans, il a "couru" le chemin d'un artiste novice à un maître qui a bouleversé l'idée des beaux-arts. Tout cela, même du vivant de Van Gogh, a été perçu comme un "miracle" sans véritable explication. La biographie de l'artiste n'était pas pleine d'aventures, comme le sort de Paul Gauguin, qui a réussi à être à la fois courtier en bourse et marin, et est mort de la lèpre, exotique pour un Européen dans la rue, sur la non moins exotique Khiva Oa, l'une des îles Marquises. Van Gogh était un «travailleur acharné ennuyeux» et, mis à part les étranges crises mentales apparues peu de temps avant sa mort, et cette mort même à la suite d'une tentative de suicide, les créateurs de mythes n'avaient rien à comprendre. Mais ces quelques "atouts" étaient joués par de vrais maîtres de leur métier.
Le principal créateur de la légende du maître était le galeriste et critique d'art allemand Julius Meyer-Graefe. Il a rapidement réalisé l'ampleur du génie du grand hollandais et, surtout, le potentiel commercial de ses peintures. En 1893, un galeriste de vingt-six ans achète le tableau "Un couple amoureux" et commence à penser à "faire la publicité" d'un produit prometteur. Possédant un stylo vif, Meyer-Graefe a décidé d'écrire une biographie de l'artiste qui séduirait les collectionneurs et les amateurs d'art. Il ne l'a pas trouvé vivant et était donc «libre» des impressions personnelles qui pesaient sur les contemporains du maître. De plus, Van Gogh est né et a grandi en Hollande, et en tant que peintre, il a finalement pris forme en France. En Allemagne, où Meyer-Graefe a commencé à présenter la légende, personne ne savait rien de l'artiste et le propriétaire de la galerie d'art a commencé avec une ardoise vierge. Il n'a pas immédiatement "ressenti" l'image de ce génie solitaire fou,ce que tout le monde sait maintenant. Au début, Meyer Van Gogh était «un homme sain du peuple», et son travail était «une harmonie entre l'art et la vie» et le héraut d'un nouveau style Grand, que Meyer-Graefe considérait comme moderne. Mais la modernité s'est effondrée en quelques années, et Van Gogh, sous la plume d'un Allemand entreprenant, s'est «reconverti» en un rebelle d'avant-garde, qui a mené la lutte contre les réalistes académiques moussus. Van Gogh l'anarchiste était populaire dans les cercles bohèmes artistiques, mais effrayait le profane. Et seule la "troisième édition" de la légende a satisfait tout le monde. Dans une "monographie scientifique" de 1921 intitulée "Vincent", avec un sous-titre inhabituel pour ce genre de littérature, "Le roman du chercheur de Dieu", Meyer-Graef présenta au public le saint fou, dont la main était dirigée par Dieu. Le point culminant de cette "biographie" était l'histoire de l'oreille coupée et de la folie créatrice,qui a élevé une petite personne solitaire comme Akaki Akakievich Bashmachkin aux sommets du génie.
À propos de la "courbure" du prototype
Le vrai Vincent Van Gogh n'avait pas grand-chose en commun avec le "Vincent" de Meyer-Graefe. Pour commencer, il est diplômé d'un prestigieux gymnase privé, parle et écrit couramment trois langues, lit beaucoup, ce qui lui vaut le surnom de Spinoza dans les milieux artistiques parisiens. Derrière Van Gogh se trouvait une grande famille qui ne l'a jamais laissé sans soutien, même si elle n'était pas ravie de ses expériences. Son grand-père était un célèbre relieur de manuscrits anciens qui travaillait pour plusieurs cours européennes, trois de ses oncles étaient des marchands d'art prospères, et un était amiral et maître de port à Anvers, dans sa maison, il vivait lorsqu'il étudia dans cette ville. Le vrai Van Gogh était une personne plutôt sobre et pragmatique.
Vincent Van Gogh. 1873 année.
Par exemple, l'un des épisodes centraux de «recherche de Dieu» de la légende avec «aller vers le peuple» était le fait qu'en 1879, Van Gogh était un prédicateur dans la région minière belge du Borinage. Tant de choses n'ont pas été inventées par Meyer-Graefe et ses disciples! Il y a à la fois une «rupture avec l'environnement» et «le désir de souffrir avec les pauvres et les pauvres». L'explication est simple. Vincent a décidé de suivre les traces de son père et de devenir prêtre. Pour recevoir l'ordination, il était nécessaire d'étudier au séminaire pendant cinq ans. Ou - suivre un cours intensif en trois ans dans une école évangélique en utilisant un programme simplifié, et même gratuitement. Tout cela a été précédé d'une «expérience» obligatoire de six mois de travail missionnaire dans l'outback. Ici, Van Gogh est allé chez les mineurs. Bien sûr, c'était un humaniste, il a essayé d'aider ces gens, mais il n'a pas pensé à se rapprocher d'eux, restant toujours un représentant de la classe moyenne. Après avoir purgé son temps au Borinage, Van Gogh a décidé d'entrer dans une école évangélique, puis il s'est avéré que les règles avaient changé et que les Néerlandais comme lui, contrairement aux Flamands, devaient payer des frais de scolarité. Après cela, le «missionnaire» offensé a quitté la religion et a décidé de devenir artiste.
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Et ce choix n'est pas non plus accidentel. Van Gogh était un marchand d'art professionnel - un marchand d'art dans la plus grande entreprise "Gupil". Le partenaire était son oncle Vincent, d'après qui le jeune Néerlandais a été nommé. Il l'a fréquenté. «Gupil» a joué un rôle de premier plan en Europe dans le commerce des vieux maîtres et de la solide peinture académique moderne, mais n'a pas peur de vendre des «innovateurs modérés» comme les Barbizoniens. Pendant 7 ans, Van Gogh a fait carrière dans une entreprise d'antiquités familiale difficile. De la succursale d'Amsterdam, il a d'abord déménagé à La Haye, puis à Londres et enfin au siège de l'entreprise à Paris. Au fil des ans, le neveu du copropriétaire de "Gupil" est passé par une école sérieuse, a étudié les principaux musées européens et de nombreuses collections privées fermées, est devenu un véritable expert en peinture non seulement par Rembrandt et le petit néerlandais,mais aussi les Français - d'Ingres à Delacroix. «Entouré d'images», écrivait-il, «j'en étais enflammé d'un amour féroce, atteignant la frénésie». Son idole était l'artiste français Jean François Millet, devenu célèbre à cette époque pour ses toiles «paysannes», que «Goupil» vendait à des prix de plusieurs dizaines de milliers de francs.
Le frère de l'artiste Theodore Van Gogh.
Van Gogh avait également l'intention de devenir un «écrivain de la vie quotidienne de la classe inférieure» comme Millet, en utilisant sa connaissance de la vie des mineurs et des paysans, glanée au Borinage. Contrairement à la légende, le marchand d'art Van Gogh n'était pas un dilettante ingénieux comme des «artistes du dimanche» comme le douanier Russo ou le chef d'orchestre Pirosmani. Ayant à son actif une connaissance fondamentale de l'histoire et de la théorie de l'art, ainsi que de la pratique du commerce, le Néerlandais obstiné à l'âge de vingt-sept ans a commencé une étude systématique de l'art de la peinture. Il a commencé par dessiner selon les derniers manuels spéciaux, qui lui ont été envoyés de toute l'Europe par son oncle marchands d'artillerie. La main de Van Gogh a été posée par son parent, l'artiste de La Haye Anton Mauve, à qui l'élève reconnaissant a ensuite dédié une de ses peintures. Van Gogh est même entré à l'Académie des Arts de Bruxelles, puis à l'Académie des Arts d'Anvers,où il a étudié pendant trois mois jusqu'à ce qu'il aille à Paris.
L'artiste nouvellement créé y est persuadé en 1886 par son jeune frère Théodore. Ce marchand d'art autrefois prospère a joué un rôle clé dans le destin du maître. Théo a conseillé à Vincent de renoncer à la peinture «paysanne», expliquant que c'était déjà un «champ labouré». Et, en plus, les «peintures noires» comme «Les mangeurs de pommes de terre» se vendaient toujours pire que l'art léger et joyeux. Une autre chose est le "light painting" des impressionnistes, littéralement créé pour le succès: soleil continu et fête. Le public l'appréciera sûrement tôt ou tard.
Theo le voyant
Van Gogh se retrouve donc dans la capitale du «nouvel art» - Paris et, sur les conseils de Théo, entre dans l'atelier privé de Fernand Cormon, qui est alors la «forge du personnel» pour une nouvelle génération d'artistes expérimentaux. Là, le Néerlandais se rapproche de futurs piliers du post-impressionnisme comme Henri Toulouse-Lautrec, Emile Bernard et Lucien Pissarro. Van Gogh a étudié l'anatomie, peint à partir de moulages en plâtre et a littéralement absorbé toutes les nouvelles idées qui bouillonnaient Paris.
Theo le présente à des critiques d'art de premier plan et à ses artistes clients, parmi lesquels ne sont pas seulement les établis Claude Monet, Alfred Sisley, Camille Pissarro, Auguste Renoir et Edgar Degas, mais aussi les «étoiles montantes» Signac et Gauguin. Au moment où Vincent arrive à Paris, son frère est à la tête de la branche "expérimentale" du "Goupil" à Montmartre. Homme avec un sens aigu du nouveau et excellent homme d'affaires, Theo a été l'un des premiers à voir l'avènement d'une nouvelle ère dans l'art. Il a persuadé la direction conservatrice de «Gupil» de lui permettre de risquer de faire du «light painting». Dans la galerie, Théo présente des expositions personnelles de Camille Pissarro, Claude Monet et d'autres impressionnistes auxquels Paris commence à s'habituer un peu. Un étage au-dessus, dans son propre appartement, il organise des «expositions temporaires» de peintures de jeunes audacieux,que "Gupil" avait peur de montrer officiellement. C'était le prototype des «expositions d'appartements» d'élite qui sont venues en vogue au XXe siècle, et les œuvres de Vincent sont devenues leur point culminant.
En 1884, les frères Van Gogh ont conclu un accord entre eux. Théo, en échange des tableaux de Vincent, lui paie 220 francs par mois et lui fournit des pinceaux, des toiles et des peintures de la meilleure qualité. D'ailleurs, grâce à cela, les peintures de Van Gogh, contrairement aux œuvres de Gauguin et Toulouse-Lautrec, qui, faute d'argent, écrivaient sur à peu près tout, étaient si bien conservées. 220 francs, c'est le quart du salaire mensuel d'un médecin ou d'un avocat. Le facteur Joseph Roulin à Arles, dont la légende faisait quelque chose comme le saint patron du «mendiant» Van Gogh, en reçut moitié moins et, contrairement à un artiste solitaire, nourrit une famille de trois enfants. Van Gogh avait même assez d'argent pour créer une collection d'estampes japonaises. De plus, Théo a fourni à son frère des «uniformes»: chemisiers et chapeaux célèbres, livres et reproductions nécessaires. Il a également payé le traitement de Vincent.
Tout cela n'était pas une simple charité. Les frères ont élaboré un plan ambitieux - créer un marché pour la peinture postimpressionniste, une génération d'artistes qui a suivi Monet et ses amis. Et avec Vincent Van Gogh comme l'un des leaders de cette génération. Combinez ce qui semble incompatible - l'art d'avant-garde risqué du monde bohème et le succès commercial dans l'esprit du respectable "Gupil". Ici, ils avaient presque un siècle d'avance sur leur temps: seuls Andy Warhol et d'autres popartistes américains ont réussi à s'enrichir immédiatement en art d'avant-garde.
Méconnu
Dans l'ensemble, la position de Vincent Van Gogh était unique. Il travaille en tant qu'artiste sous contrat avec un marchand d'art qui est l'une des figures clés du marché du "light painting". Et ce marchand d'art était son frère. Gauguin, un vagabond agité qui considère chaque franc, par exemple, ne pouvait que rêver d'une telle situation. De plus, Vincent n'était pas une simple marionnette entre les mains de l'homme d'affaires Theo. Ce n'était pas non plus une personne sans mercenaire qui ne voulait pas vendre ses tableaux aux profanes, qu'il distribuait gratuitement aux «esprits apparentés», comme l'écrivait Meyer-Graefe. Van Gogh, comme toute personne normale, voulait être reconnu non pas par des descendants éloignés, mais de son vivant. Des aveux, dont un signe important pour lui était l'argent. Et en tant qu'ancien marchand d'art lui-même, il savait comment y parvenir.
L'un des thèmes principaux de ses lettres à Théo n'est en aucun cas la recherche de Dieu, mais des discussions sur ce qu'il faut faire pour vendre les tableaux de manière rentable, et quelle peinture trouvera rapidement son chemin jusqu'au cœur de l'acheteur. Pour promouvoir le marché, il a développé une formule impeccable: "Rien ne nous aidera à vendre nos tableaux mieux que leur reconnaissance comme une bonne décoration pour les maisons bourgeoises." Afin de montrer clairement à quoi «ressembleront» les peintures post-impressionnistes dans un intérieur bourgeois, Van Gogh lui-même organisa en 1887 deux expositions au café Tambourin et au restaurant La Forche à Paris et en vendit même plusieurs œuvres. Plus tard, la légende a joué ce fait comme un acte de désespoir pour l'artiste, que personne ne voulait laisser aller à des expositions normales.
Parallèlement, il participe régulièrement à des expositions au Salon des Indépendants et au Théâtre Libre - les lieux les plus en vogue des intellectuels parisiens de l'époque. Ses peintures sont exposées par les marchands d'art Arsène Porter, George Thomas, Pierre Martin et Tanguy. Le grand Cézanne a eu l'occasion de montrer son travail lors d'une exposition personnelle seulement à l'âge de 56 ans, après près de quatre décennies de dur labeur. Alors que le travail de Vincent, un artiste avec six ans d'expérience, pouvait être vu à tout moment à «l'exposition d'appartements» de Théo, où toute l'élite artistique de la capitale du monde de l'art - Paris, séjournait.
Le vrai Van Gogh ressemble le moins à l'ermite de la légende. Il est le sien parmi les principaux artistes de l'époque, dont les preuves les plus convaincantes sont plusieurs portraits du Néerlandais, peints par Toulouse-Lautrec, Roussel, Bernard. Lucien Pissarro l'a dépeint parlant au critique d'art le plus influent de ces années, Fénelon. On se souvient de Camille Pissarro pour le fait qu'il n'hésitait pas à arrêter la personne dont il avait besoin dans la rue et à montrer ses peintures juste au mur d'une maison. Il est tout simplement impossible d'imaginer un véritable ermite Cézanne dans une telle situation.
La légende a fermement établi l'idée de Van Gogh non reconnu, que de son vivant, un seul de ses tableaux, "Les vignobles rouges d'Arles", a été vendu, qui est maintenant suspendu au Musée des Beaux-Arts de Moscou. Pouchkine. En fait, la vente de ce tableau d'une exposition à Bruxelles en 1890 pour 400 francs a été la percée de Van Gogh dans le monde des prix sérieux. Il ne vendait pas pire que ses contemporains Seurat ou Gauguin. D'après les documents, on sait que quatorze œuvres ont été achetées à l'artiste. Le premier à faire cela fut un ami de la famille, le marchand d'art hollandais Terstig, en février 1882, et Vincent écrivit à Théo: «Les premiers moutons passèrent par le pont». En réalité, il y avait plus de ventes, il n'y avait tout simplement aucune preuve exacte sur le reste.
Quant au manque de reconnaissance, depuis 1888, les célèbres critiques Gustave Kahn et Felix Fénelon, dans leurs revues d'expositions «indépendantes», comme on appelait alors les artistes d'avant-garde, mettent en lumière les œuvres fraîches et vibrantes de Van Gogh. Le critique Octave Mirbeau a conseillé à Rodin d'acheter ses toiles. Ils faisaient partie de la collection d'un connaisseur aussi exigeant qu'Edgar Degas. De son vivant, Vincent a lu dans le journal "Mercure de France" qu'il était un grand artiste, l'héritier de Rembrandt et Hals. Cela a été écrit dans un article entièrement consacré au travail de «l'étonnant Hollandais» par l'étoile montante du «nouveau critique» Henri Aurier. Il avait l'intention de créer une biographie de Van Gogh, mais, malheureusement, est mort de la tuberculose peu de temps après la mort de l'artiste lui-même.
À propos de l'esprit, libre de "chaînes"
Mais la "biographie" a été publiée par Meyer-Graefe, et il y a surtout décrit le processus "intuitif, libre des chaînes de la raison" de la créativité de Van Gogh.
Chambre à Arles. 1889 année. Institut d'art de Chicago. Une chambre de l'hôtel du Ravus, où vécut Vincent en 1890 et où Vincent van Gogh mourut le 29 juillet de la même année.
«Vincent a peint dans un ravissement aveugle et inconscient. Son tempérament se répandit sur la toile. Les arbres hurlaient, les nuages se chassaient. Le soleil était béant avec un trou aveuglant menant au chaos.
Le moyen le plus simple est de réfuter cette idée de Van Gogh dans les mots de l'artiste lui-même: «Le grand n'est pas créé seulement par une action impulsive, mais aussi par la complicité de beaucoup de choses qui ont été réunies en un seul tout … Avec l'art, comme avec tout le reste: le grand n'est pas quelque chose d'accidentel, mais doit être créé par une tension volontaire obstinée."
L'écrasante majorité des lettres de Van Gogh est consacrée à la «cuisine» de la peinture: définition des objectifs, des matériaux, de la technique. Un événement presque sans précédent dans l'histoire de l'art. Le Néerlandais était un vrai bourreau de travail et affirmait: "En art, il faut travailler comme quelques noirs et être maigre." À la fin de sa vie, il peignait vraiment très vite, il pouvait terminer un tableau du début à la fin en deux heures. Mais en même temps, il ne cessait de répéter l'expression préférée de l'artiste américain Whistler: "Je l'ai fait à deux heures, mais j'ai travaillé pendant des années pour faire quelque chose de valable pendant ces deux heures."
Van Gogh n'a pas écrit sur un coup de tête - il a travaillé longtemps et dur sur le même motif. Dans la ville d'Arles, où il installe son atelier après avoir quitté Paris, il entame une série de 30 œuvres liées à la tâche créative commune «Contraste». Couleur de contraste, thématique, composition. Par exemple, le pandanus "Café à Arles" et "Chambre à Arles". Dans la première image - l'obscurité et la tension, dans la seconde - la lumière et l'harmonie. Dans la même rangée, il y a plusieurs variantes de ses fameux "Tournesols". L'ensemble de la série a été conçu comme un exemple de décoration d'une «maison bourgeoise». Nous avons devant nous du début à la fin des stratégies créatives et commerciales réfléchies. Après avoir vu ses toiles à l'exposition des «indépendants», Gauguin a écrit: «Vous êtes le seul artiste pensant de tous».
La pierre angulaire de la légende de Van Gogh est sa folie. Apparemment, cela lui permettait seulement de regarder dans des profondeurs inaccessibles aux simples mortels. Mais depuis sa jeunesse, l'artiste n'était pas à moitié fou de flashs de génie. Les périodes de dépression, accompagnées de crises épileptiques similaires à l'épilepsie, pour lesquelles il a été soigné dans une clinique psychiatrique, n'ont commencé que depuis un an et demi de sa vie. Les médecins y ont vu l'effet de l'absinthe - une boisson alcoolisée infusée d'absinthe, dont l'effet destructeur sur le système nerveux n'est devenu connu qu'au XXe siècle. De plus, c'est précisément pendant la période d'exacerbation de la maladie que l'artiste n'a pas pu écrire. Ainsi, le trouble psychotique n'a pas «aidé» le génie de Van Gogh, mais l'a entravé.
Vincent Van Gogh. Jardin de l'hôpital d'Arles. 1889 année. Jardin de l'hôpital d'Arles, où Van Gogh a été placé après une saisie en décembre 1888
La célèbre histoire à l'oreille est très douteuse. Il s'est avéré que Van Gogh ne pouvait pas se couper «à la racine», il saignait simplement, car il n'avait reçu de l'aide que 10 heures après l'incident. Seul son lobe a été coupé, comme indiqué dans le rapport médical. Et qui l'a fait? Il existe une version selon laquelle cela s'est produit lors d'une querelle avec Gauguin, qui a eu lieu ce jour-là. Expérimenté dans les combats de marins, Gauguin a frappé Van Gogh à l'oreille et il a souffert d'une crise de nervosité à cause de tout ce qu'il avait vécu. Plus tard, pour justifier son comportement, Gauguin a composé une histoire que Van Gogh, dans un accès de folie, l'a poursuivi avec un rasoir dans ses mains, puis s'est estropié.
Même le tableau "Une chambre à Arles", dont l'espace courbe était considéré comme une fixation de l'état de fou de Van Gogh, s'est avéré étonnamment réaliste. Des plans ont été trouvés pour la maison dans laquelle vivait l'artiste à Arles. Les murs et le plafond de sa maison étaient en effet en pente. Van Gogh n'a jamais peint de tableaux près de la lune avec des bougies attachées à son chapeau. Mais les créateurs de la légende ont toujours été libres de gérer les faits. Le tableau inquiétant "Champ de blé", avec la route qui va au loin, recouverte d'un troupeau de corbeaux, ils ont, par exemple, annoncé la dernière toile du maître, prédisant sa mort. Mais il est bien connu qu'après elle, il a écrit toute une série d'œuvres, où le champ malheureux est représenté compressé.
Le savoir-faire de l'auteur principal du mythe de Van Gogh, Julius Meyer-Graef, n'est pas qu'un mensonge, mais une présentation d'événements fictifs mêlés de faits réels, et même sous la forme d'un travail scientifique impeccable. Par exemple, le vrai fait - Van Gogh aimait travailler en plein air parce qu'il ne tolérait pas l'odeur de térébenthine utilisée pour diluer les peintures - a utilisé le «biographe» comme base pour une version fantastique de la raison du suicide du maître. Prétendument, Van Gogh est tombé amoureux du soleil - la source de son inspiration et ne s'est pas permis de se couvrir la tête avec un chapeau, debout sous ses rayons brûlants. Tous ses cheveux ont été brûlés, le soleil a cuit son crâne non protégé, il est devenu fou et s'est suicidé. Dans les autoportraits ultérieurs de Van Gogh et les images de l'artiste mort réalisées par ses amis, il est clair qu'il n'a pas perdu les cheveux sur sa tête jusqu'à sa mort.
Perspicacité du saint fou
Van Gogh s'est suicidé le 27 juillet 1890, après avoir semblé avoir surmonté sa crise mentale. Peu de temps auparavant, il a été renvoyé de la clinique avec la conclusion: «Il s'est rétabli». Le fait même que le propriétaire des chambres meublées d'Auvers, où Van Gogh vécut les derniers mois de sa vie, lui ait confié un revolver, dont l'artiste avait besoin pour effrayer les corbeaux tout en travaillant sur des croquis, suggère qu'il se comportait absolument normalement. Aujourd'hui, les médecins conviennent que le suicide ne s'est pas produit lors d'une crise, mais était le résultat d'une combinaison de circonstances externes. Théo s'est marié, il a eu un enfant, et Vincent était opprimé par l'idée que son frère ne s'occuperait que de sa famille, et non de leur projet de conquérir le monde artistique.
Après le coup fatal, Van Gogh a vécu encore deux jours, était étonnamment calme et a enduré la souffrance. Il est mort dans les bras de son frère inconsolable, qui n'a jamais pu se remettre de cette perte et est décédé six mois plus tard. La firme «Goupil» a vendu pour une bouchée de pain toutes les œuvres des impressionnistes et postimpressionnistes que Théo Van Gogh avait accumulées dans la galerie de Montmartre, et a clos l'expérience du «light painting». Les peintures de Vincent Van Gogh ont été emportées en Hollande par la veuve de Theo Johann Van Gogh-Bonger. Ce n'est qu'au début du XXe siècle que le grand Hollandais reçut une gloire totale. Selon les experts, s'il n'y avait pas eu la mort prématurée presque simultanée des deux frères, cela se serait produit au milieu des années 1890 et Van Gogh aurait été un homme très riche. Mais le destin en a décrété autrement. Des gens comme Meyer-Graefe ont commencé à récolter les fruits du travail du grand peintre Vincent et du grand galeriste Théo.
Qui possédait Vincent?
Le roman sur le chercheur de Dieu "Vincent" d'un Allemand entreprenant s'est avéré utile dans la situation de l'effondrement des idéaux après le massacre de la Première Guerre mondiale. Martyr de l'art et fou, dont l'œuvre mystique apparaît sous la plume de Meyer-Graefe comme quelque chose comme une nouvelle religion, un tel Van Gogh a capturé l'imagination à la fois d'intellectuels blasés et de gens ordinaires inexpérimentés. La légende a non seulement mis au second plan la biographie d'un véritable artiste, mais a également déformé l'idée de ses peintures. Ils ont vu une sorte de mélange de couleurs en eux, dans lequel les «aperçus» prophétiques du saint fou étaient devinés. Meyer-Graefe devint le principal connaisseur du «mystique hollandais» et commença non seulement à échanger des peintures de Van Gogh, mais aussi beaucoup d'argent pour délivrer des certificats d'authenticité d'œuvres apparues sous le nom de Van Gogh sur le marché de l'art.
Vincent Van Gogh. Dr Paul Gaucher. 1890
Au milieu des années 1920, un certain Otto Wacker vint le voir, se produisant avec des danses érotiques dans les cabarets berlinois sous le pseudonyme d'Olinto Lovel. Il a montré plusieurs tableaux avec la signature «Vincent», écrits dans l'esprit de la légende. Meyer-Graefe a été ravi et a immédiatement confirmé leur authenticité. Au total, Wacker, qui a ouvert sa propre galerie dans le quartier branché de Potsdamerplatz, a jeté plus de 30 Van Goghs sur le marché avant que les rumeurs ne se propagent selon lesquelles ils étaient faux. Puisqu'il s'agissait d'un montant très important, la police est intervenue. Au procès, le danseur-galeriste a dit au vélo «provenance», qu'il «nourrissait» ses clients crédules. Il aurait acquis les peintures d'un aristocrate russe, qui les a achetées au début du siècle et, pendant la révolution, a réussi à les emmener de Russie en Suisse. Waker n'a pas nommé son nom, affirmantque les bolcheviks, aigris par la perte du «trésor national», détruiraient la famille de l'aristocrate restée en Russie soviétique.
Lors d'une bataille d'experts qui s'est déroulée en avril 1932 dans la salle d'audience du quartier de Moabit à Berlin, Meyer-Graefe et ses partisans ont défendu l'authenticité des Van Goghs de Waker. Mais la police a fait une descente dans l'atelier du frère et du père du danseur, qui étaient des artistes, et a trouvé 16 van Goghs frais. L'expertise technologique a montré qu'ils sont identiques aux peintures vendues. En outre, les chimistes ont découvert que lors de la création de «peintures d'un aristocrate russe», ils utilisaient des peintures qui n'apparaissaient qu'après la mort de Van Gogh. En apprenant cela, l'un des "experts" qui ont soutenu Meyer-Graefe et Wacker a dit au juge stupéfait: "Comment savez-vous que Vincent n'est pas entré dans un corps sympathique après sa mort et ne crée pas à ce jour?"
Wacker a été condamné à trois ans de prison et la réputation de Meyer-Graefe a été détruite. Il est mort peu de temps après, mais la légende, malgré tout, continue de vivre à ce jour. C'est sur cette base que l'écrivain américain Irving Stone a écrit son best-seller Lust for Life en 1934 et le réalisateur hollywoodien Vincent Minnelli a réalisé un film sur Van Gogh en 1956. Le rôle de l'artiste a été joué par l'acteur Kirk Douglas. Le film a remporté un Oscar et a finalement établi dans l'esprit de millions de personnes l'image d'un génie à moitié fou qui a pris sur lui tous les péchés du monde. Puis la période américaine de canonisation de Van Gogh a été remplacée par les Japonais.
Tournesols chez Christie's. 1987 année.
Au Pays du Soleil Levant, le grand Néerlandais, grâce à la légende, a commencé à être considéré comme quelque chose entre un moine bouddhiste et un samouraï qui a commis le hara-kiri. En 1987, la société Yasuda a acheté les tournesols de Van Gogh lors d'une vente aux enchères à Londres pour 40 millions de dollars. Trois ans plus tard, l'excentrique milliardaire Ryoto Saito, qui s'est identifié au légendaire Vincent, a payé 82 millions de dollars lors d'une vente aux enchères à New York pour le Portrait du Dr Gachet de Van Gogh. Pendant une décennie, ce fut la peinture la plus chère du monde. Selon le testament de Saito, elle devait être brûlée avec lui après sa mort, mais les créanciers des Japonais, qui avaient fait faillite à ce moment-là, n'ont pas permis que cela se fasse.
Alors que le monde était secoué par des scandales autour du nom de Van Gogh, les historiens de l'art, les restaurateurs, les archivistes et même les médecins, pas à pas, ont enquêté sur la vraie vie et l'œuvre de l'artiste. Le musée Van Gogh d'Amsterdam, créé en 1972 sur la base d'une collection donnée à la Hollande par le fils de Theo Van Gogh, qui portait le nom de son grand-oncle, a joué un rôle majeur dans ce domaine. Le musée a commencé à vérifier toutes les peintures de Van Gogh dans le monde, à éliminer plusieurs dizaines de contrefaçons, et a fait un excellent travail de préparation d'une publication scientifique de la correspondance des frères.
Mais, malgré les efforts énormes du personnel du musée et des sommités de la Vangologie comme la Canadienne Bogomila Velsh-Ovcharova ou le Néerlandais Jan Halsker, la légende de Van Gogh ne meurt pas. Elle vit sa propre vie, donnant naissance à de nouveaux films, livres et performances sur le "saint Vincent fou", qui n'a rien à voir avec le grand ouvrier et découvreur de nouvelles voies dans l'art, Vincent Van Gogh. C'est ainsi que fonctionne une personne: un conte de fées romantique est toujours plus attirant pour lui que la «prose de la vie», aussi belle soit-elle.
Grigory Kozlov