La magie de Georges Melies
Au cours de ces années, les cinéastes étaient en concurrence féroce les uns avec les autres. Cela les a forcés à améliorer constamment leurs produits, pour les rendre plus attractifs pour le spectateur. Les réalisateurs ont essayé de maîtriser les trucs du cinéma et en même temps se sont concentrés sur le monde de la foire, ainsi que sur l'art du cirque, de la pantomime et du divertissement aéronautique (tir de ballons).
Les cinéastes muets russes se sont inspirés du travail de l'éminent maître français de la photographie de cascades Georges Méliès (1861-1938). Cet innovateur et inventeur, infatigable sur les inventions, a consacré toute sa vie au cinéma. Après avoir installé une usine de films dans l'arrière-cour de sa maison, il a inlassablement expérimenté des bandes en mouvement, remplissant les films d'une cascade entière de cascades. Il a eu recours à de multiples expositions, donnant vie à des fantômes translucides, donnant vie aux gravures, personnifiant les articles ménagers. Les héros de Méliès savaient se dissoudre dans les airs, planer au-dessus du sol et jongler avec leurs propres têtes.
Il a travaillé dans les genres de l'extravagance, du conte de fées, de l'histoire mystique. Mais la plus grande renommée a été portée au réalisateur de l'adaptation cinématographique de Jules Verne. Les films "Journey to the Moon" et "Journey through the Impossible" sont devenus les premières hirondelles du thème de l'espace au cinéma.
Les secrets de certaines des astuces cinématographiques de Melies n'ont pas été révélés à ce jour. Et les plans individuels de ses films sont devenus des symboles de l'époque. On les retrouve sur les couvertures et les reliures des publications modernes de Jules Verne et d'autres écrivains de science-fiction. Et sur les affiches de cinéma du temps de Méliès, des images volontairement simplifiées de sous-marins, de ballons, de fusées en forme de boîtes de fer et de planètes à visage humain sont apparues. C'était le reflet de la perception naïve du monde dans laquelle on peut marcher sur la lune sans combinaison spatiale, et se déplacer sous l'eau dans un bathyscaphe sans appareils de navigation. Mais le spectateur n'y a pas pensé. Il regardait des contes de fées et admirait les merveilles du cinéma.
Voyage spatial du Shogun à de Chaumont
À côté du nom de Melies, un autre réalisateur de cinéma muet talentueux est mentionné - l'Espagnol Segundo de Chaumont (1871-1929). Il a suivi Méliès pour travailler sur des films sur le voyage spatial.
L'Espagnol surdoué a commencé comme spécialiste de la coloration de films et y a obtenu un grand succès. Il a été un pionnier des films couleur et a reçu des commandes pour le traitement couleur des films d'autres réalisateurs. Mais ensuite, il a été fasciné par le travail de l'opérateur, et le jeune cinéaste, essayant d'imiter Méliès, a commencé à créer un film de cascades après l'autre. Il était fasciné par le thème de l'espace, et en 1908 une parodie du film de Melies "Un voyage vers la Lune" est née (Chaumont a appelé le film "Excursion sur la Lune").
Parmi les gadgets préférés de Chaumont figurait le travail avec des ombres contrastées. Il a largement utilisé les réalisations du théâtre d'ombres chinois et, avec des héros en trois dimensions, a créé des personnages en silhouette en noir et blanc. Chaumont aimait particulièrement les images de démons et les rendait drôles ou effrayants. Les démons, les démons et les fantômes étaient densément peuplés dans les films de Chaumont, et les astuces cinématographiques rendaient ces personnages encore plus expressifs. Les personnages pouvaient émerger du vide, se désintégrer en morceaux et se dissoudre dans l'air, et parfois ils se transformaient en ombres noires.
Expériences avec des insectes
Les techniques étonnantes introduites dans le cinéma par Melies ont conquis le public, et il est naturel que ce réalisateur talentueux soit devenu largement connu non seulement en Europe occidentale et aux États-Unis, mais aussi en Russie. Au cours de ces années, les usines de films nationales se faisaient concurrence et l'ingéniosité était une qualité très recherchée. La demande de personnes créatives capables de s'exprimer dans le domaine de la photographie acrobatique était très élevée.
Vladislav Aleksandrovich Starevich (1882-1965) s'est avéré être une telle personne. Pendant ses études au gymnase, Vladislav s'est intéressé à l'entomologie et a beaucoup appris sur la vie des insectes. Diplômé du lycée, le futur réalisateur a travaillé comme photographe et en même temps s'est montré comme un artiste talentueux.
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Un beau jour, Vladislav a décidé de tourner des bandes sur les insectes. En eux, son don de directeur de la photographie était pleinement réalisé. Par exemple, il a utilisé la méthode de la photographie accélérée, réalisant l'illusion du mouvement des coléoptères, des libellules et des papillons. Ces enregistrements ont choqué le public. Le public s'est habitué à la cinématographie dessinée, et soudain un tout nouveau type de cinématographie apparaît. Si les images dessinées par l'artiste peuvent bouger sur l'écran, pourquoi les choses, les animaux en peluche et les «modèles» de coléoptères ne peuvent-ils pas bouger? Et Starevich s'est déroulé sur l'écran de cinéma des types de mouvement jusque-là inhabituels - la dynamique des modèles de jeu (il est difficile d'appeler des marionnettes ou des poupées de coléoptères artificiels).
Au début, Starevich a essayé de faire des films avec de vrais insectes, mais, malheureusement, ils se sont avérés être de mauvais acteurs et n'ont pas cédé à la formation. Le réalisateur adorerait travailler avec de vrais coléoptères, mais ils ne pouvaient pas faire devant la caméra ce que le réalisateur voulait. J'ai dû faire des "modèles" et travailler avec eux. L'illusion était incroyable. Les téléspectateurs ont pris les insectes animés pour de vrais insectes.
La guerre du barbeau avec le cerf
Starevich a rapidement maîtrisé les techniques de la photographie acrobatique. Il a combiné la crédibilité scientifique de l'imagerie d'insectes avec une interprétation humoristique des personnages. La célèbre usine de films de Khanzhonkov est devenue la base de son travail.
En 1912, Starevich crée le film "Belle Lucanida, ou la guerre du Barbel avec le cerf". Sur l'écran, des batailles éclatèrent autour de la belle épouse du roi des scarabées. Le comportement des insectes dans le cadre est réaliste, le spectateur a cru ce qui se passait. C'était le premier film de combat de marionnettes de l'histoire du cinéma. La bataille des coléoptères semble aujourd'hui quelque peu archaïque, mais il ne fait aucun doute que cette épopée de bataille a été mise en scène par un homme à l'imagination riche. La bande est restée au box-office après 1917, se trouvant en demande à l'époque soviétique.
Après la révolution, Starevich s'est retrouvé en France. Il continue à faire des films et réalise des cascades dont le plus célèbre est le film "Reinecke-fox" (basé sur le travail de Goethe). Et bien que le film soit devenu sonore, le renard de Starevich a beaucoup exprimé dans le langage des gestes et des expressions faciales. Les gadgets de films muets sont restés dans l'arsenal du célèbre maître du truc jusqu'à la fin de sa carrière.
Modèles du futur
En 1927, le célèbre cinéaste allemand Fritz Lang sort le film Metropolis, qui montre la ville du futur avec des contrastes saisissants entre la vie des riches et des pauvres. D'énormes structures verticales étaient adjacentes aux artères de transport situées à plusieurs niveaux. Le public s'est demandé comment cela était fait. Après tout, le sentiment de crédibilité était incroyable.
La ville a été filmée à l'aide de maquettes. Le mouvement des petites voitures le long des autoroutes a été enregistré sur la bande en utilisant la méthode de la photographie accélérée. Dans le même temps, un truc important du réalisateur était l'utilisation de nombreux miroirs, grâce auxquels les fragments des modèles ont été doublés et quadruplés. Bien que l'utilisation de miroirs ait rendu le processus de production moins cher, cette bande est devenue la plus chère de l'histoire du cinéma muet en Allemagne.
Un autre modèle du futur qui a exigé la plus grande ingéniosité des cinéastes est le film Aelita de Yakov Protazanov. Il est difficile de croire que plus de 90 ans se sont écoulés depuis la sortie de cette bande. Protazanov s'est imposé comme l'un des plus grands réalisateurs de films muets russes. Il a hardiment expérimenté un changement brutal dans les plans rapprochés et de taille moyenne et a été presque le premier à utiliser des astuces de film qui anticipaient le surréalisme: dans le film "La reine de pique", il reflétait la folie d'Hermann à travers un cauchemar sous la forme d'un terrible entrelacement de liens de corde.
«Aelita»
Pendant la période soviétique, Protazanov n'a pas baissé la barre fixe et a continué à créer des chefs-d'œuvre, cependant, avec l'avènement du son, il a placé des espoirs particuliers sur les techniques d'image et de caméra.
L'histoire de la femme martienne Aelita et le soulèvement sur Mars est devenu le film le plus célèbre du réalisateur, qui a influencé non seulement la fiction spatiale nationale, mais aussi mondiale. Ce film révolutionnaire a immédiatement attiré l'attention non seulement des cinéphiles, mais aussi des maîtres des arts décoratifs et appliqués. Le décorateur était confronté à une tâche importante et intéressante: reproduire "l'environnement objet" martien.
Le réalisateur a hardiment commencé à utiliser les techniques de l'art futuriste. L'artiste Alexandra Exter a dû créer un costume pour la femme martienne - Aelita (ainsi que pour d'autres personnages de ce film extraordinaire). Une belle coiffure, d'où divergeaient des tiges pointues ressemblant à des rayons, a fait d'Aelita (l'actrice Yulia Solntseva) une véritable martienne. De plus, elle s'est déplacée d'une manière très inhabituelle. A une époque où le cinéma ne connaissait pas le son, le mouvement de la scène et surtout la plasticité des mains jouaient un rôle important. Aelita fit des mouvements brusques inhabituels, et c'était une autre découverte audacieuse.
Le film de Protazanov n'était pas le premier film au monde sur la vie spatiale. Mais c'est devenu le premier long métrage de fiction spatiale. "Aelita" est considérée comme un chef-d'œuvre du cinéma de science-fiction.
Magazine: Secrets du 20e siècle №27, Andrey Dyachenko
